emepitri

Por. Esponda

Una de las más eternizadas preguntas sobre la música contemporánea es aquella que te lanza dos alternativas: ¿Beatles o Stones? No creo que esta pugna de hálitos alrededor de estas dos bandas fundamentales vaya a modificarse con el tiempo. Pero con todo puedo decir que mi balanza afectiva siempre se inclinará hacia las descaradas irreverencias y los acordes vibrantes del blues que se apoderaron de Jagger y compañía. Y de ello me terminó de convencer este disco genial, fuerte y poco transigente a decir verdad.

Let It Bleed es un disco clave en la carrera de los Stones, es toda la historia de una profilaxis. Mientras Lennon y su gente estaban llegando a admitir que no podrían superar la crisis interna que vivían en ese momento, los chicos malos nos cuentan acá que la posible destrucción puede ser detenida dejando sangrar a la bestia. Por ahí se dice que el título fue un cachoseo al Let It Be, y aunque ese manifiesto final de los de Liverpool fue lanzado recién unos meses después, es probable que ambos grupos estuviesen en contacto hasta para contarse mutuamente sus resacas. Como que sus particulares certezas a la The Times They Are a-Changin’ les llegaron con algo de retraso.

Y eso es a lo que me suena Let It Bleed, a una especie de madurez muy propia que se veía venir en los discos previos. No dejan de ser aquí tan provocadores como siempre, pero se permiten un espacio para la melancolía y la experimentación. Y que mejor terreno para hacerlo que su entrañable blues, al cual vuelven con más fuerza desde sus primeros discos. Y en este sangrado no hay mucho espacio para los clásicos hits a pesar de la poderosa Gimme Shelter ese himno frenético contagiado de soul con el que arranca.

En medio hay todo un festival de sonidos en el mejor estilo del grupo: blues, blues y más blues. Un imaginario que regresa a las cantinas, borracheras y despedidas amorosas pero que añade también los piquetes de agujas y más de su delicioso y obsceno detallismo por los entretelones sórdidos y sangrientos de aquellas crónicas hechas canciones. Ese es uno de los motivos por los que sea también uno de sus discos menos accesibles a las odiosas radios que recolectan párvulos a más no poder.

Ahí suena un sentida versión de Love inVain de Robert Johnson; You Got The Silver cantada por Keith; las malogradazas alusiones costumbristas de Midnight Rambler y la canción que da título al disco; y por supuesto ese super tema con toques funk que es Monkey Man, como para gritarla en un abrazo con los amigos:

I’m a monkeeeeeeeeeey
I’m a monkeeeeeeeeeey
I’m a monkeeeeeeeeeey…man

El aura de exorcismo que rodea a las nueve canciones que la componen tiene como alimento verídico a la despedida de Brian Jones, ese monstruo poco a poco desorbitado y opacado por sus compañeros hasta el punto de simbolizar con su muerte, el fin de una era para las piedras rodantes. La delirantemente gospel You Can’t Always Get What You Want pone punto culminante como contestando a su emblemática (I Can’t Get No) Satisfaction:

Apoteósica bienvenida a la nueva década, un fin de año que lamento haberme perdido.

Eme-pi-Tris:

Video:

Monkey Man

Hace como seis años un amigo me regaló este disco. No sé si fue buena idea regalarme algo así a esa edad, pero yo lo recibí entusiasmado. Es más creo que fue mi único regalo de la noche. Era mi cumpleaños 22 y había llegado algo tarde a lo que debería ser mi fiesta de celebración en la casa de otro amigo. Se supone que íbamos a empezar desde temprano, pero yo llegué faltando pocos minutos para que mi cumpleaños empiece. Como siempre varié los planes y los encontré ya bastante avanzados y obviamente un poco cansados. De todas formas chapé mi disco, me nivelé con el alcohol, recibí mis abrazos a las 12, pudimos seguir tomando y hablando, y cuando ya eran casi las cuatro de la madrugada eché mano a mi condición de cumpleañero y exigí que se pusiera mi disco de regalo.

Lo que pasó después debe ser algo parecido a alguna escena de easy rider o alguna pela parecida.

No recuerdo más la verdad. No sé si llegué siquiera a Endlessly (aquella canción perfecta que empieza con gritos a lo theremin) o si pude terminar de escuchar el disco. Tampoco sé cómo llegué a una cama ni en qué momento me desconecté de la realidad. Sólo recuerdo la música de Mercury Rev envolviéndolo todo, volviéndonos personajes de alguna escena psicotrópica en donde algunos daban vueltas a un árbol otros luchaban cual escarabajos para ponerse en pie y otros mirábamos la escena sin poder mover ninguna parte de nuestro cuerpo.

De pronto todo se fue oscureciendo.

A la mañana siguiente me desperté junto a un amigo y con una mano de plátanos a los pies de la cama. Al lado otro par de amigos dormían. Medio asustado pude incorporarme e ir al baño. En el trayecto pude ver los rastros de mi cumpleaños. Varios puchos, un trapo, una damajuana de pisco a medio terminar, algunos amigos durmiendo en muebles y en otras camas. Y varios discos medio húmedos por la llovizna de la noche. El disco desertor había pasado la noche bien abrigado dentro del equipo.

Poco a poco nos fuimos despertando y agrupándonos como la tribu que éramos. La mamá del de la casa nos alcanzó un super desayuno y nos contó que ella tuvo que llevarnos uno a uno a la cama. Poco a poco nosotros fuimos volviendo a nuestras vidas despreocupadas. Algunos tenían que ir a la universidad, otros a sus casas. En el trayecto, de casi dos horas no hablé con nadie. Solo escuché un par de veces más mi regalo de cumpleaños y pude comprobar que no había nada más triste que viajar resaqueado el día de tu cumpleaños 22 con este disco en los oídos.

(por si no quedó claro me encanta este disco aunque me dé una pena enorme)

Eso no quiere decir que el disco sea un desastre. Sobre todo si tomamos en cuenta que este disco ha logrado dos cosas que ninguno de los tres anteriores logró conmigo. Y eso ya me parece bastante. Primero: lo escuché completito varias veces. Segundo: ha logrado conmoverme, convencerme y hasta emocionarme con su single Viva la vida, aquella epopeya retransmitida por la radio.

Y es que Viva la vida, con escándalo de plagio y todo, no se parece a ningún otro single de Coldplay. Nada tiene que ver con The Scientist, ni con Yellow ni con Trouble. No tiene nada que ver con aquel canto desgarrado de aquel chico afectado y menos se convertirá en la típica canción de pareja.

Datos para los pintores: la imagen de la portada es una famosa pintura de Eugène Delacroix titulada “La libertad guiando al pueblo”. Y también leí que el nombre del disco algo tenía que ver con la pintura de Frida Khalo del mismo nombre.

Viva la vida

Lovers in Japan/Reign Of Love

Tim Harrington es el gordo faltoso que todos llevamos dentro. Impúdico, procaz, sicalíptico, provocador, exhibicionista y, a primera vista, rematadamente chalado, pero buena onda en el fondo, Harrington habla de descensos tiernos y lúbricos, de las afinidades con nuestros enemigos, de relaciones estrepitosas e imprecisas y termina siempre medio desnudo en los escenarios, repartiendo besos entre los concurrentes –compañeros de grupo incluidos– y regodeándose en el desmadre que arma su banda, Les savy favs, cada vez que toca en vivo.

Harrison Haynes, el batero, tiene una mejor presentación: Les savy fav encarna el diagrama evolutivo del ser humano. Del Austrolopitecus al Homo sapiens. Desde luego –y fuera de bromas, incluso de aquellas que la misma banda suele hacer–, no se trata de una evolución lineal sino yuxtapuesta, simultánea y es precisamente la sincronía lograda por estos homínidos de Rhode Island lo que termina afilando cada uno de sus temas. Las canciones de Les savy fav son abrasivas y filosas pero también poseen una versatilidad perturbadora y entonces el punk militante y las furibundas guitarras de los inicios le hacen sitio a una amplia gama sonidos. El post punk, ese compuesto químico inestable y gaseoso, termina por arder en medio una música perfecta para la premura, para la insolencia.

Faltoso, abrasivo, descaradamente versátil. Así suena el Let’s stay friends, el tercer disco de la banda. Doce temas le bastan a Les savy fav para incendiarlo todo y, en medio del desorden, construir algo así una pista de baile hecha de fuego y ruido. Ese es quizá uno de sus mayores méritos (uno de los que yo más aprecio, en todo caso): melodías gritables y saltables pero también bailables (basta ver el video más abajo de Patty Lee para darse una idea).

¿El disco? Pues bien, Pots & pans es toda una declaración de principios. Probablemente el gordo Harrington ya esté desnudándose para cuando inicia la trepidante The equestrian. La ya mentada Patty no es un tema para escuchar sino para bailar con descaro luego de haber quemado la pequeña (y probablemente en mal estado) unidad de transporte público cuando los semáforos de por mi casa parecen no funcar. What would wolves do? y el artero reposo del fuego, quizá el tema más logrado de esta placa (ok, es mi favorito). La embriagante Brace yourself sorprende, uno de los temas donde la banda se abre más a la dimensión desconocida de la psicodelia. Raging in the plague ages. Comes & Goes o Les savy fav jugando en pared con la fiery furnaces Eleanor Friedberger y explorando el lado más melódico del grupo (que no el más sensiblero, esa canción es tan punzante como todas las demás). Para terminar, en redondo, The lowest bitter y el regreso a lo visceral.

Nuestro modo de sentir va y viene.

Va y viene. O permanece, amigos (?).

Buscando magia o estrellas en la parte posterior de las cajas de fósforos encontraremos el combustible para incendiar las señales de las certezas y las veremos brillar, incandescentes, mientras oímos a Harrington y lo imaginamos entregado al exceso. Nosotros mismos nos entregamos deliberadamente a los excesos mientras oímos el Let’s stay friend de Les savy fav. El desorden de los sentidos comienza y el mundo por un instante tiene la perfección del instante en que arde la llama. Como dice ese gordo faltoso que todos llevamos dentro: esta banda es como un corazón que palpita con arrebato, con delirio. O como el fuego que no se consume. Y su final no es cercano.

Video:

Tim Harrington es el gordo faltoso que todos llevamos dentro. Impúdico, procaz, sicalíptico, provocador, exhibicionista y, a primera vista, rematadamente chalado, pero buena onda en el fondo, Harrington habla de descensos tiernos y lúbricos, de las afinidades con nuestros enemigos, de relaciones estrepitosas e imprecisas y termina siempre medio desnudo en los escenarios, repartiendo besos entre los concurrentes –compañeros de grupo incluidos– y regodeándose en el desmadre que arma su banda, Les savy favs, cada vez que toca en vivo.

Harrison Haynes, el batero, tiene una mejor presentación: Les savy fav encarna el diagrama evolutivo del ser humano. Del Austrolopitecus al Homo sapiens. Desde luego –y fuera de bromas, incluso de aquellas que la misma banda suele hacer–, no se trata de una evolución lineal sino yuxtapuesta, simultánea y es precisamente la sincronía lograda por estos homínidos de Rhode Island lo que termina afilando cada uno de sus temas. Las canciones de Les savy fav son abrasivas y filosas pero también poseen una versatilidad perturbadora y entonces el punk militante y las furibundas guitarras de los inicios le hacen sitio a una amplia gama sonidos. El post punk, ese compuesto químico inestable y gaseoso, termina por arder en medio una música perfecta para la premura, para la insolencia.

Faltoso, abrasivo, descaradamente versátil. Así suena el Let’s stay friends, el tercer disco de la banda. Doce temas le bastan a Les savy fav para incendiarlo todo y, en medio del desorden, construir algo así una pista de baile hecha de fuego y ruido. Ese es quizá uno de sus mayores méritos (uno de los que yo más aprecio, en todo caso): melodías gritables y saltables pero también bailables (basta ver el video más abajo de Patty Lee para darse una idea).

¿El disco? Pues bien, Pots & pans es toda una declaración de principios. Probablemente el gordo Harrington ya esté desnudándose para cuando inicia la trepidante The equestrian. La ya mentada Patty no es un tema para escuchar sino para bailar con descaro luego de haber quemado la pequeña (y probablemente en mal estado) unidad de transporte público cuando los semáforos de por mi casa parecen no funcar. What would wolves do? y el artero reposo del fuego, quizá el tema más logrado de esta placa (ok, es mi favorito). La embriagante Brace yourself sorprende, uno de los temas donde la banda se abre más a la dimensión desconocida de la psicodelia. Raging in the plague ages. Comes & Goes o Les savy fav jugando en pared con la fiery furnaces Eleanor Friedberger y explorando el lado más melódico del grupo (que no el más sensiblero, esa canción es tan punzante como todas las demás). Para terminar, en redondo, The lowest bitter y el regreso a lo visceral.

Nuestro modo de sentir va y viene.

Va y viene. O permanece, amigos (?).

Buscando magia o estrellas en la parte posterior de las cajas de fósforos encontraremos el combustible para incendiar las señales de las certezas y las veremos brillar, incandescentes, mientras oímos a Harrington y lo imaginamos entregado al exceso. Nosotros mismos nos entregamos deliberadamente a los excesos mientras oímos el Let’s stay friend de Les savy fav. El desorden de los sentidos comienza y el mundo por un instante tiene la perfección del instante en que arde la llama. Como dice ese gordo faltoso que todos llevamos dentro: esta banda es como un corazón que palpita con arrebato, con delirio. O como el fuego que no se consume. Y su final no es cercano.

Video:

Que distintos serían nuestros días si a nuestras radios limeñas llegaran españoles como el Sr. Chinarro y no los Alejandros Saenz, David Bisbales y Orejas de Van Gogh de siempre. Seguramente andaríamos un poquito más felices tarareando estas canciones, nuestros viajes en el transporte público serían más llevaderos y, quién sabe, quizá podríamos de vez en cuando poner la radio para ver si nuestra canción favorita es la número uno de la semana.

Alguna vez los que hacemos este blog coincidimos en aquello de que sin la música nuestros días serían aún más sombríos de lo que lo son a veces. Decíamos, casi en coro, que un disco o una canción puesta en el momento preciso podía ser más útil que el alcohol, las pastillas o tratamientos médicos. Cuando ya no quedaba nada, ahí estaba la música para salvarnos la vida. Creo que ya lo dije alguna vez pero suscribo aquella frase del filósofo que dice: si la música no existiera el mundo sería un error.

Eme-pi-tris:

No creo que exista un cantante que haya logrado lo que Andrés Calamaro logró con toda una generación de hispanohablantes. Quizá exagero, pero siempre me ha parecido increíble como el cantante argentino se las arregló para colocar por lo menos una canción imprescindible por década. Me refiero a aquella canción que era imposible no repetir y que incluso ahora es imposible no cantar cuando la escuchas. Pasó primero con “Mil horas” o “Lunes por la madrugada” de Los Abuelos de la Nada, grupo en el que colaboraba con los teclados; después con “Dulce Condena”, Para no olvidar” o “Sin documentos” de Los Rodríguez, en el que ya era el cantante; o ya como Calamaro solista con canciones como “Cuando te conocí”. Todos esos temas forman parte del imaginario de varias generaciones.

Digamos que para mí aquellas canciones funcionan casi como la banda sonora impuesta de mi infancia, adolescencia y juventud. Funcionan casi como una línea atravesada en el tiempo. Era de lo mejor que llegaba en esa época, las primeras canciones que aprendimos a cantar. Nuestra educación musical en nuestro idioma, aquella música en español popular, infaltable en campamentos y reuniones.

Creo que ningún cantante en español ha logrado eso. Algunas canciones sueltas, algunos grupos en general (Hombres G, Soda Stereo, Fabulosos Cadillacs); pero nadie, por lo menos nadie que recuerde, ha hecho lo que Calamaro. Quizá no todos tengan los discos completos, quizá no muchos sepan quién es él que canta tal canción, quizá ni se sepan los nombres de éstas, es más, por ahí ni sepan que se trata de Calamaro, pero todos tienen ahí una canción del argentino sonando en opción “random” en su computadora. Y lo que es peor, o debería decir mejor, cantándola.

Debo aceptar que mi relación con Calamaro nunca ha sido del todo buena. Sobre todo estos últimos años, el tiempo de Flaca -quizá una de las peores canciones hit o como diría él una de las peores canciones en las que no es necesario pensar-. Tampoco entendí su época de tangos, menos su dupla con Sabina, peor aquel disco El Salmón, que pretendía ser ambicioso y conceptual, pero que terminó convirtiéndose en un frankestein. Siempre he dicho que de toda su producción, podríamos prescindir tranquilamente del 80% sin sentir ningún remordimiento.

Aquella es la historia con Calamaro, ambivalente. Debería decir con los mil Calamaros. El que le canta a Maradona, al que toca con Carca como telonero de White Stripes, el que sintió que Charly García había ganado, el amigo de todos los músicos argentinos, con miles de colaboraciones, aquel que se va haciendo viejo, el que llevó un juicio casi 10 años por supuestamente hacer apología a la marihuana, el argentino genio, el reciente papá, el de mil referentes, el rockero, el músico exitoso, el que seguro este año tocará en Lima y a las principales capitales latinoamericanas. Aquel que vuelve con La lengua Popular, quizá el disco más personal en los últimos diez años.

Ahora que escucho el disco pienso en por qué no compré uno más o por lo menos por qué no lo abrí, ya sea para ver el arte de Liniers o para darle una escuchada. Tal vez me lo hubiera quedado, y aunque bastante irregular creo que La lengua popular empieza y termina bien (Los chicos, Carnaval de Brasil y Mi Cobain (Superjoint)). De todas maneras es una buena noticia a pesar de canciones que mejor no escuchar (Soy tuyo, la espuma de las orrillas). Un disco menos ambicioso, enganchado más en la reciente historia argentina. Y lo mejor: se nota que Calamaro se cansó de buscar en otro disco el tema imperecedero, quizá sea aquella la fórmula para seguir sorprendiéndonos una década más.

Eme-pi-tris:

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Mi Cobain (Superjoint)

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Los chicos

Carnaval de Brasil

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Elliott Smith apareció muerto de dos puñaladas en el pecho. Auto-infligidas. Bueno eso es lo que dicen. O por lo menos eso es lo que dijeron las noticias en octubre de 2003. Seis años antes lo había visto por primera vez, en televisión nacional, como parte de aquella noche exagerada que siempre significa la ceremonia de entrega de los Oscar. En la tele, un tal Bruce Ludmir trataba, sin poder, de reemplazar a su padre Pepe, muerto meses antes, en el rol de presentador peruano de los Oscar.

En medio de todo ello, en medio de las varias estatuillas para Titanic, en medio de James Cameron, Leonardo DiCaprio, Helen Hunt, Robin Williams, Kim Basinger y Jack Nicholson, había un cantante que esperaba su turno detrás del escenario. Esperaba para cumplir con aquella obligación de cantar, para todo el mundo, los más de dos minutos de su tema Miss Misery, que para mala suerte, supongo pensó, fue nomida para el Oscar 1997 como mejor canción de la película Good Will Hunting de Gus Van Sant.

Elliott Smith vestía un traje blanco, tenía una guitarra colgada y el acompañamiento de la orquesta. Pocas veces levantó la cara para mirar a la cámara. Seguramente todo lo abrumaba. Cuenta la leyenda que fue obligado a presentarse en los Oscar y más que una satisfacción le significó un problema. Sin embargo, ahí estaba, con la mirada clavada al piso esperando que pase rápido el tiempo. Estuvo ahí seguro por Gus Van Sant y por lo que significó la película para su carrera.

Como era de esperarse el Oscar se lo llevó My Heart Will Go On de Titanic. Es lo que menos importa. Para Smith aquella presentación le valió un cambio de sello a Dreamworks.

Recuerdo haber comprado su disco homónimo ese año y haberlo puesto, no muchas veces, orgulloso del hallazgo. Ya para el 2000, cuando salió el Figure 8 sabía algo más del cantante. Había escuchado a Heatmiser, la banda anterior de Smith, sabía de sus problemas con el alcohol y con las drogas, de su internamiento en una clínica psiquiatrica por depresión.

Contra todo prónostico Figure 8 no fue un disco triste. Quizá haberse mudado a Los Ángeles para grabarlo, quizá haber utilizado el mismo piano que usó Paul McCartney para la grabación de Penny Lane, quizá haberla pasado mal los años anteriores y seguir vivo.

Lo cierto es que Figure 8 es un disco tristemente positivo. Un disco perfecto no sólo en arreglos. Cuando uno escucha sus 16 canciones no se puede dejar de preguntar, pregunta bastante trillada seguro, a qué hubiera sonado el siguiente disco de Elliott Smith, aquel muchacho débil que detestaba sus canciones una vez terminadas.

Uno se pregunta eso, pero después vuelven las noticias de octubre de 2003 a la cabeza. Las puñaladas en el corazón. Y aunque da rabia creo que Elliott la pasa mejor donde está ahora. Por lo menos se aseguró con sus canciones que lo recuerden para siempre.

Eme-pi-tris:

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Somebody that I used to know

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Can´t make a sound

Happiness

Siempre habrá alguien que te pedirá que le recomiendes un grupo, un disco, una canción. Siempre. Para esos casos tengo las tres respuestas perfectas. O por lo menos eso es lo que creo. Se trata de Jon Spencer Blues Explosion, del disco Orange y de la canción Bellbottoms.

Si quieres añadir algo más a la recomendación podrías decir -y quedar super bien- que es como si James Brown -en su mejor momento claro- estuviera mezclando su voz en algún viejo garage con los Stooges.

Eme-pi-tri:

[audio:http://www.emepitri.com/wp-content/uploads/2008/05/bellbottoms.mp3]

Bellbottoms

Si eso no te suena o te parece poco, quizá el siguiente video termine por convencerte.

Nos avisan si Jon Spencer… se convirtió en uno de sus favoritos. Seremos muy felices sabiendo que sí.

Les dejó un video más como por si las dudas.

Siempre habrá alguien que te pida que le recomiendes un grupo, un disco, una canción. Siempre. Para esos casos tengo las tres respuestas perfectas. O por lo menos eso es lo que creo. Se trata de Jon Spencer Blues Explosion, del disco Orange y de la canción Bellbottoms.

Si quieres añadir algo más a la recomendación podrías decir -y quedar super bien- que se trata de James Brown -en su mejor momento claro- mezclado con el sonido garage de los Stooges.

Si eso te parece poco, quizá el siguiente video termine por convencerte.

Nos avisan si Jon Spencer… se convirtió en uno de sus favoritos. Seremos muy felices sabiendo que sí.

Les dejó un video más como por si las dudas.

qué fue de la guitarra???

Estaba en una tienda de discos, en la que entré sin intención de comprar un mango, simplemente fui para “ver que hay”, estaba en un lugar ajeno, así que era algo más tipo trabajo de research que de simple mirón, o al menos eso es lo que quiero pensar.

Se fue volviendo algo repetitivo, en cada tienda de discos que veía en la ciudad, entraba, no siempre se veía lo mismo, pero sí era medio desesperante que de entrada en un Virgin Mega Store veas 10 mil discos de Fergie…

No dan ganas de entrar, pero las tiendas pequeñas son otra cosa, mucho más íntimas, de esas en las que hay discos apilados y cada que levantas unos 3 te das una gran sorpresa.

El único factor común, era un poster, siempre cerca de la caja, anunciando el lanzamiento del disco de Angus & Julia Stone, grupo local.

No le daba mucha bola porque no tenía la menor de idea de cual era el tipo de música que estos hermanos (o esposos) hacían, o que sonaban, nada de nada, hasta que vi el disco.

La sola presentación me retenía, no podía dejar de mirarla, la última vez que me pasó algo así era con una mujer, nunca me había pasado con ningún disco, ese me extrañó bastante y me sorprendió aún más.

Luego en distintos lugares y tiempos vi otras tiendas, y ya buscaba el A Book Like This, no sé por qué no me interesaba saber cómo sonaba, podría perder el encanto. Y seguía inconscientemente relacionándolo con un tipo de amor a primera vista, como si apareciera una mujer hermosa y solo el hecho de verla fuera suficiente.

Tal vez luego de conocerla te darías cuenta de que no tienen nada en común, se revienta la burbuja.

El último día en la ciudad, la última vez que vi el disco, empezó la intriga, me lo llevo? lo veo bien
por última vez? Solo verlo ya era algo mágico, era extraño como un disco no me despertaba para nada el interés por escucharlo, no sabría explicar por qué.

Pero bueno, último día juntos, es el adiós o llevarlo conmigo. Parece fácil.
Siempre prefiero arrepentirme de haber hecho a que de no haber hecho.
Compre el disco.
Hasta ahora es el único que no dejó de escuchar cada semana desde setiembre.
Mágico.

“One kiss from you and I’m drunk up on your potion
That big old smile is all you wore
Girl you make me want to feel
Things I’ve never felt before

Eme-pi-tris:

The Beast

Just A Boy

Mango Tree

Video:

Paper Aeroplane